sábado, 31 de mayo de 2014

Aniversarios (XVIII) [Mayo / May 25-31]

Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
Todos los aniversarios de Mayo aquí / All anniversaries for May here.
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El 25 de Mayo es el cumple de

Carlo Dolci, pintor italiano del barroco nacido en Florencia en 1616. Sus pinturas religiosas fueron copiadas con frecuencia por otro artistas. Su popularidad fue enorme hasta bien entrado el siglo XIX, cuando el gusto por la religiosidad edulcorada decreció notablemente. Se dice que cada año, durante la Semana Santa, pintó siempre un Redentor coronado de espinas hasta el día de su muerte. En 1682 sufrió una profunda depresión cuando supo que Luca Giordano, motejado como 'Luca fa presto', pintaba en cinco horas lo que a él le había llevado varios meses. Murió en 1686.

"Diógenes", Palazzo Pitti, Galería Palatina (Florencia, Italia / Firenze, Italy)

Carlo Dolci en "El Hurgador" / in this blog[Salomé y el Bautista (I)]
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Gabriel Bracho, artista venezolano nacido en Los Puertos de Altagracia, Zulia, en 1915. Él y César Rengifo fueron los mayores exponentes del movimiento del realismo social en Venezuela. Su obra está permeada por temas sociales, políticos e históricos.
Desde 1936 hasta 1939 estudió en la Academia de Bellas Artes en Caracas, y continuó sus estudios en la Escuela de Artes Aplicadas en Chile hasta 1942. En 1943 comenzó un tour por varios países incluidos los Estados Unidos, Bolivia, Argentina, Uruguay e Italia, que culminó con el artista viviendo en París.
Inicialmente influenciado por los impresionistas, expresionistas y cubistas abrazó las tendencias nacionalistas y revolucionarias de los muralistas mexicanos. Regresó a Venezuela en 1950.
Murió en Caracas el 6 de marzo de 1995.

"Sin título / Untitled", óleo sobre madera / oil on wood, 51 x 76 cm., 1964


El 26 de Mayo es el cumple de

Gustavo Arias Murueta, artista plástico mexicano dedicado a la pintura al óleo, el grabado, la ilustración, la escultura y el dibujo, nacido en 1923. Realizó su primera exposición en 1960 y en 1974 se estableció definitivamente en Ciudad de México. En 1976 viaja e Europa para conocer la obra de los grandes maestros.
Ha participado en Bienales Internacionales en Italia, Argentina, Chile, Puerto Rico y Cuba.
Aunque generalmente realiza sus obras de gran formato sobre tela, también ha utilizado polipropileno porque conserva mejor la pintura al óleo. Su obra forma parte de diversos museos mexicanos así como de Cuba, USA, Italia y Ecuador, entre otros.

"Abstracto / Abstract", acrílico sobre papel / acrylic on paper, 30 x 52 cm.
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Paul François Niclausse, escultor francés nacido en Metz en 1879, conocido por sus medallas en bronce de estilo Art déco.
Alumno de Hubert Ponscarme y de Gabriel-Jules Thomas en la École nationale supérieure des beaux-arts de París. Profesor en la Académie Julian del escultor sueco Gunnar Nilsson. Fue nombrado profesor de la École nationale des arts décoratifs en 1930. Fue también profesor de la Escuela superior de Bellas Artes también en París, contando entre sus alumnos Louis Chavignier, François Aubrun, Pierre Nocca y la escultora Alina Szapocznikow.
Fue elegido miembro de la Academia de Bellas Artes de Francia en 1943 hasta su muerte en 1958 , dejando el sillón número 1 a Paul Belmondo.
Recibió la Legión de Honor. Una calle en Pommeuse lleva el nombre del escultor. Murió en 1958.

"Vielle briarde"


El 27 de Mayo es el cumple de

Iván Nicolaevich Kramskói (Ива́н Никола́евич Крамско́й) (8 de junio por el Calendario Gregoriano), pintor y crítico de arte ruso nacido en 1837. Fue uno de los inspiradores y el líder inicial de la Compañía de Exposiciones Artísticas Itinerantes. Entre 1857 y 1863 estudió en la Academia Imperial de las Artes (San Petersburgo), donde se enfrentó al academicismo imperante. 
Con los años acabaría creando una notable galería de retratos de contemporáneos ilustres. Pero también retrató con frecuencia a personas anónimas, siguiendo sus propias ideas acerca de la finalidad del arte. Son particularmente destacables sus retratos de campesinos rusos, en los que poniendo el acento sobre las características psicológicas del sujeto alcanza una gran expresividad. La orientación de las obras de Kramskói, sus agudas y críticas opiniones sobre el arte, y sus perseverante búsqueda de criterios objetivos en la valoración de las creaciones artísticas contribuyeron a desarrollar de un modo crucial la visión democrática del arte en la Rusia del último tercio del siglo XIX. Murió en 1887.

"Campesino con una brida / Peasant With a Flange. Mina Moiseyev"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1883. Museo de arte ruso (Kiev, Ucrania)

Iván Kramskói en "El Hurgador" / in this blog[Iván Shishkin (Pintura)], [Recolección (XCI)]
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Georges Henri Rouault, pintor fauvista y expresionista, grabador y litógrafo francés nacido en 1871.
Su madre animó su amor por las artes, y en 1885 se embarcó en el aprendizaje con un pintor de vidrio y restaurador, cosa que hizo hasta 1890.
Durante su aprendizaje también asistió a clases nocturnas, y en 1891 entró en la Escuela de Bellas Artes, la escuela oficial de artes de Francia. Rouault también conoció a Matisse, Marquet, Henri Manguin y Charles Camoin. Esas amistades le acercaron al movimiento del fauvismo, cuyo líder se considera que era Matisse.
Al fin de su vida quemó 300 de sus pinturas. Murió en 1958.

"Prostituta ante su espejo / Prostitute at her Mirror"
Acuarela sobre cartón / watercolor on cardboard, 27 3/8” x 20 7/8”, 1906.


El 28 de Mayo es el cumple de

Carl Larsson, pintor y diseñador de interiores sueco nacido en 1853. Destacado acuarelista, se crió en un entorno de pobreza. En 1866 asistió a a la Academia de Arte de Estocolmo donde destacó como dibujante. Durante de la década de los setenta del siglo XIX, realizó ilustraciones para libros, sin embargo alrededor de 1877, tras viajar a París por primera vez, se ve sumido nuevamente en la pobreza e incluso piensa en el suicidio.
Su suerte cambió al conocer a la que sería su musa y apoyo moral para el resto de su vida, la también artista Karin Bergöö. A partir de entonces comenzó a recibir encargos.
Después de tantas penurias, su objetivo artístico fue representar el "lado amable de la vida".
El personal estilo de decoración de Karin y de Larsson dio como fruto una manera completamente moderna de acondicionar y estructurar una casa. 
Murió en 1919.

"Modelo escribiendo postales / Model Writing Postcards"
Acuarela sobre papel / watercolor on paper, 1906. Colección privada / Private Collection.

Carl Larsson en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (XXXI)]
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Israel Roa Villagra, destacado pintor expresionista chileno nacido en 1909, ganador del Premio Nacional de Arte de Chile en 1985.
Decidido desde niño a seguir la carrera de pintor, se trasladó a Santiago en 1927. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile.
En 1928 se trasladó a la ciudad de Valparaíso con la idea de encontrar la inspiración en el paisaje y retratar los colores y escenarios del puerto con sus alrededores costeros. En esa ciudad trabajó con el pintor Roko Matjasic.
En 1937 obtuvo la beca Humboldt que le permitió perfeccionar sus estudios en la Academia de Artes de Berlín (Alemania).
En sus óleos y acuarelas plasmó la fuerza del paisaje chileno y enfatizó la sensualidad, rasgos distintivos de la Generación a la que pertenecía. Murió en 2002.

"18 de Septiembre / September 18th", óleo sobre tela / oil on canvas, 1953. 
Museo Nacional de Bellas Artes (Santiago de Chile)


El 29 de Mayo es el cumple de

Lars Bo, artista y escritor danés nacido en 1924. Se le conoce por su obra gráfica, con motivos de inspiración surrealista. Se le apodaba "El Mago". Trabajó con P. Rostrup Bøyesen en el Statens Museum for Kunst en el período de 1939 a 1940, y fue a la Escuela de Diseño danesa desde 1941 al 1943, tras lo cual viajó por Europa. Desde 1947 hasta su muerte, en 1999, vivió en París.
Entre 1948 y 1950 trabajó en el estudio gráfico de Johnny Friedläender y Albert Flocons. Hasta 1996 produjo grabados y aguatintas para grandes libros ilustrados. Algunos de sus más destacados trabajos en éste campo fue para ediciones clásicas de Hans Christian Andersen. Murió en 1999.

"Sin título / Untitled", aguafuerte y aguatinta en color / etching and aquatint in colour, 11 5/8" x 17 1/4".
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Nikolai Nicolayevich Galakhov (Galájov) (Николай Николаевич Галахов), artista ruso nacido en 1928 en Kazan. Es Artista de Honor de la Federación Rusa, miembro de la Unión de Artistas de San Petersburgo. Allí vive y trabaja, es considerado uno de los representantes de la Escuela de Pintura de Leningrado, y es famoso por sus pinturas de paisajes.
En 1942 entró en la Escuela de Arte de Kazan y se graduó en 1947. El mismo año se mudó a Leningrado y fue admitido en el Instituto de Pintura, Escultura y Arquitectura.
A fines de los '50 Galakhov viajó a Siberia y el Lago Baikal. Esto le condujo a nuevas experiencias que se concretaron en numerosos bocetos del natural y pinturas de paisajes. Estos viajes le ayudaron a diversificar su paleta y comprender las características plásticas de diferentes lugares, dieron nuevo ímpetu a sus búsquedas pictóricas y le prepararon para su encuentro con Karelia, que se convirtió en un punto de inflexión de su obra.

"Кемь. Солнечный день / Día soleado en el pueblo de Kem / Sunny Day in Kem Town", 1985


El 30 de Mayo es el cumple de

Fernando Cueto Amorsolo, uno de los más importantes artistas en la historia de la pintura Filipina, nacido en 1892 en Paco, Manila. 
Hijo de un librero, estudió en la Escuela de Arte Liceo de Manila y más tarde en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Filipinas. 
Influenciado por los españoles contemporáneos (Sorolla, Zuloaga), ganó su primer premio en la Escuela el año de su graduación en el Liceo. Sus optimistas y brillantes imágenes pastorales marcaron el tono de la pintura filipina antes de la Segunda Guerra, y a excepción de las oscuras obras de éste período, su obra mantuvo un carácter pacífico y tranquilo durante toda su carrera. Desde 1950 hasta 1972, año de su muerte, pintó una media de 10 obras mensuales.

"Recolectora de frutas / Fruits Collector", 1950. Fernando Amorsolo Collection
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Alexander (Oleksandr) Porfirovich Archipenko, (Олександр Порфирович Архипенко), artista de vanguardia, escultor y artista gráfico ucraniano nacido en 1887.
Entre 1902 y 1905 asistió a la Escuela de Arte de Kiev (KKHU), tras lo cual continuó su educación en artes como estudiante de S. Svyatoslavsky en 1906, también en Kiev. El mismo año expuso junto con Alexander Bogomazov en Kiev. Ese mismo año se mudó a Moscú.
Se trasladó a París en 1908. En 1912 tuvo lugar su primera exposición personal en el Museo Folkwang at Hagen, en Alemaina, y entre 1912 y 1914 enseñó en su propia escuela de artes en París.
En 1923 emigró a los Estados Unidos y participó en una muestra de pintura rusa y escultura.
Archipenko, junto con el escultor franco-húngaro Joseph Csaky, expuso en las primeras manifestaciones públicas del cubismo en París: el Salon des Indépendants y el Salon d'Automne, en 1910 y 1911, siendo el primero, después de Picasso, en emplear el estilo cubista en tres dimensiones. Murió en 1964.

"Bailarina azul / Blue Dancer", fundido después de / cast after 1961


Hoy, 31 de Mayo, es el cumple de

Michel Peretsovich Kikoïne, (Михаил Перецович Кикоин) pintor francés de estilo expresionista y origen bielorruso nacido en 1892. Perteneció a la llamada Escuela de París.
En la Escuela de Dibujo Kruger, en Minsk, conoció a Chaïm Soutine, con quien tendría una amistad de por vida. Estudiaron juntos en la Escuela de Bellas Artes de Vilna, coincidiendo también con Pinchus Krémègne. En 1911, se trasladaron todos a París, donde se unieron a la cada vez mayor comunidad artística del barrio de Montparnasse.
En 1919 tuvo su primera exposición en París. Durante la Segunda Guerra Mundial, Kikoïne y su familia fueron confinados en campos de concentración. Después de la liberación aliada de Francia, regresó a París, realizando principalmente desnudos, retratos y autorretratos. Vivió en Cannes hasta su muerte en 1968.

"Pejzaz ok", 1925
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Walter Richard Sickert, pintor y grabador nacido en 1860 que fue miembro del Camden Town Group en Londres. Fue una importante influencia en los distintivos estilos británicos del arte de vanguardia en el siglo XX.
Sickert fue un cosmopolita excéntrico que a menudo utilizó gente corriente y escenas urbanas como temas. Su obra también incluyó retratos de personalidades conocidas e imágenes derivadas de fotografías de prensa. Está considerado como una figura destacada en la transición del impresionismo al modernismo.
Aún cuando era hijo y nieto de pintores, la primera carrera que persiguió fue la de actor. Apareció en pequeños papeles en la compañía de Sir Henry Irving antes de  dedicarse al estudio del arte en 1881.
En 1883 viajó a París y conoció a Degas, cuya utilización del espacio pictórico y énfasis en el dibujo habrían tenido un poderoso efecto en su obra. Desarrolló una visión personal del impresionismo, con predominio de las coloraciones sombrías. Siguiendo los consejos de Degas, Sickert pintaba en su estudio, trabajando a partir de dibujos y de memoria, como un escape a la "tiranía de la naturaleza".
Se identifica especialmente con interiores domésticos, escenas de Venecia, salas de música, escenas de teatro y retratos. Murió en 1942.

"La cama de hierro / The Iron Bedstead", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 39,5 x 50 cm. , c. 1906. 
Earl and Countess of Harewood. © Estate of Walter R. Sickert


Textos en inglés / English translation

On May 25 is the birthday of

Carlo Dolci, Italian Baroque painter born in Florence in 1616. His religious paintings were often copied by other artists. His popularity was huge until well into the nineteenth century, when the taste for sweetened religiosity decreased dramatically. It is said that every year during Holy Week, always painted a Redeemer crowned with thorns until the day of his death. In 1682 he suffered a deep depression when he learned that Luca Giordano, decried as 'Luca fa presto', painted in five hours what had taken him several months. He died in 1686.

Gabriel Bracho, Venezuelan artist born in Los Puertos de Altagracia, Zulia in 1915. He and César Rengifo were major exponents of the social realism artistic movement in Venezuela. His work is permeated by social, political and historical themes.
From 1936 to 1939 he studied at the Academy of Fine Arts in Caracas and he continued his studies at the Escuela de Artes Aplicadas in Chile until 1942. In 1943 he began a tour of various countries including the USA, Bolivia, Argentina, Uruguay and Italy which culminated in him living and working in Paris.
Initially influenced by the impressionists, expressionists and cubists he embraced the nationalistic and revolutionary trends of the Mexican muralists. He returned to Venezuela in 1950.
He died in Caracas on 6 March 1995.

On May 26 is the birthday of

Gustavo Arias Murueta, Mexican artist dedicated to oil painting, printmaking, illustration, sculpture and drawing, born in 1923. He had his first exhibition in 1960 and in 1974 he finally settled in Mexico City. In 1976 he traveled Europe to know the work of the great masters. 
He has participated in international biennials in Italy, Argentina, Chile, Puerto Rico and Cuba. 
Although usually performed his large works on canvas, has also used polypropylene because it better preserves the oil painting. His work is part of several Mexican museums as well as Cuba, USA, Italy and Ecuador, among others.

Paul François Niclausse, French sculptor born in Metz in 1879, known for his bronze medals in Art Deco style. 
He studied with Hubert Ponscarme and Gabriel-Jules Thomas at the Ecole nationale supérieure des beaux-arts in Paris. Professor at the Académie Julian Swedish sculptor Gunnar Nilsson. He was appointed professor at the Ecole Nationale des Arts Décoratifs in 1930. He was also a professor at the College of Fine Arts, also in Paris, counting among his students Chavignier Louis, François Aubrun, Pierre Nocca and sculptor Alina Szapocznikow. 
He was elected to the Academy of Fine Arts in France in 1943 until his death in 1958, leaving the chair number 1 to Paul Belmondo. 
He received the Legion of Honor. A street in Pommeuse named after the sculptor. He died in 1958.

On May 27 is the birthday of

Ivan Nicolaevich Kramskoi (Ива́н Никола́евич Крамско́й) (June 8 by the Gregorian Calendar), painter and Russian art critic born in 1837. He was one of the founders and early leader of the Company of Itinerant Art Exhibitions. Between 1857 and 1863 he studied at the Imperial Academy of Arts (St. Petersburg), where he faced the prevailing academicism. 
Over the years end up creating a remarkable portrait gallery of illustrious contemporaries. But also portrayed often anonymous people, following their own ideas about the purpose of art. Particularly remarkable his portraits of Russian peasants, in which putting the emphasis on the psychological characteristics of the subject reaches a great expressiveness. The orientation of the works of Kramskoi, his sharp and critical views on art, and his persistent search for objective criteria in assessing artistic creations helped develop in a crucial way the democratic vision of art in the last third of Russia nineteenth century. He died in 1887.

Georges Henri Rouault, French Fauvist and Expressionist painter, and printmaker in lithography and etching born in 1871.
His mother encouraged his love for the arts, and in 1885 the fourteen-year-old Rouault embarked on an apprenticeship as a glass painter and restorer, which lasted until 1890.
During his apprenticeship he also attended evening classes, and in 1891, he entered the École des Beaux-Arts, the official art school of France. Georges Rouault also met Henri Matisse, Albert Marquet, Henri Manguin, and Charles Camoin. These friendships brought him to the movement of Fauvism, the leader of which was considered to be Matisse.
At the end of his life he burned 300 of his pictures. His reason for doing this was not profound, as he simply felt he would not live to finish them.
He died in 1958.

On May 28 is the birthday of

Carl Larsson, Swedish painter and interior designer born in 1853. Outstanding watercolorist, grew up in an environment of poverty. In 1866 he attended the Academy of Art in Stockholm where he excelled as a draftsman. During the seventies of the nineteenth century, made ​​illustrations for books, however around 1877, after traveling to Paris for the first time, looks plunged back into poverty and even suicidal thoughts. 
His luck changed when he met what would become his muse and moral support for the rest of his life, also an artist Karin Bergöö. Thereafter he began to receive commissions. 
After many hardships, his artistic goal was to represent the "bright side of life". 
Karin and Larsson's personal style of decoration have resulted in a completely modern way to prepare and structure a home. 
He died in 1919.

Israel Roa Villagra, prominent Chilean expressionist painter born in 1909, winner of the National Prize of Art of Chile in 1985. 
Determined from child to pursue a career as a painter, moved to Santiago in 1927. Studied at the School of Fine Arts at the University of Chile. 
In 1928 he moved to the city of Valparaiso with the idea of ​​finding inspiration in the landscape and portray the colors and scenery of harbor with its coastal surroundings. In that city he worked with painter Roko Matjasic. 
In 1937 he received the Humboldt scholarship that allowed him to continue his studies at the Academy of Arts in Berlin (Germany). 
In his oils and watercolors reflected the strength of the Chilean landscape and emphasized the sensuality, hallmarks of the generation to which he belonged. He died in 2002.

On May 29 is the birthday of

Lars Bo, Danish artist and writer born in 1924, well known for his prints, surrealist-inspired themes. He was nicknamed "The Wizard". He worked with P. Rostrup Boyesen in the Statens Museum for Kunst in the period 1939 to 1940, and was at the Danish School of Design from 1941 to 1943, after which he traveled in Europe. From 1947 until his death in 1999 he lived in Paris. 
Between 1948 and 1950 he worked in the graphic studio of Albert Flocons and Johnny Friedlaender. Until 1996 he produced etchings and aquatints for large picture books. Some of his most important works in this field was for classic editions of Hans Christian Andersen. He died in 1999.

Nikolai Nikolaevich Galakhov (Николай Николаевич Галахов), Russian artist born in 1928 in Kazan. He is an Honored Artist of the Russian Federation, a member of the Saint Petersburg Union of Artists. Living and working in Saint Petersburg, he is regarded as one of the representatives of the Leningrad school of painting, and is most famous for his landscape paintings.
In 1942 he entered in Kazan Art School, and graduated in 1947. In the same year he moved to Leningrad and was admitted in the Leningrad Institute of Painting, Sculpture and Architecture.
In the late of 1950s Galakhov traveled to Siberia and Baikal Lake. This led him to new experiences, embodied in numerous sketches from the life and landscape paintings. These travels helped him to diversify his palette and to understand the plastic characteristics of different places, gave new impetus to picturesque searches and preparing for a meeting with Karelia, which became a turning point in his work.

On May 30 is the birthday of

Fernando Cueto Amorsolo, one of the most important artists in the history of Philippine painting, born in 1892 in Paco, Manila. 
The son of a bookseller, he studied at the Art School Liceo de Manila and later at the School of Fine Arts, Philippines University. 
Influenced by contemporary Spanish (Sorolla, Zuloaga), won first prize in the school the same year of graduation in the Lyceum. His optimistic and bright pastoral images set the tone of Philippine painting before World War II, and except for the dark works of this period, his work remained a peaceful and quiet character throughout his career. From 1950 to 1972, the year of his death, he painted a monthly average of 10 works.

Alexander (Oleksandr) Porfirovich Archipenko, (Олександр Порфирович Архипенко), Ukrainian avant-garde artist, sculptor, and graphic artist born in 1887.
From 1902 to 1905 he attended the Kiev Art School (KKHU), after which he continued his education in the arts as the student of S. Svyatoslavsky in 1906, also in Kiev. In the same year he had an exhibition, together with Alexander Bogomazov, in Kiev. Later that same year he moved to Moscow.
He moved to Paris in 1908. In 1912 had his first personal exhibition at the Museum Folkwang at Hagen in Germany, and from 1912 to 1914 he was teaching at his own Art School in Paris.
In 1923 he emigrated to the United States, and participated in an exhibition of Russian Paintings and Sculpture.
Archipenko, along with the French-Hungarian sculptor Joseph Csaky, exhibited at the first public manifestations of Cubism in Paris; the Salon des Indépendants and Salon d'Automne, 1910 and 1911, being the first, after Picasso, to employ the Cubist style in three dimensions. He died in 1964.

Today, May 31, is the birthday of

Michel Peretsovich Kikoïne (Михаил Перецович Кикоин), French expressionist painter and Belarusian origin born in 1892. Belonged to the so-called School of Paris. 
In Kruger's Drawing School in Minsk, met Chaim Soutine, with whom he would have a lifelong friendship. They studied together at the School of Fine Arts in Vilnius, also coinciding with Pinchus Kremegne. In 1911, they all moved to Paris, where they joined the growing artistic community of Montparnasse. 
In 1919 he had his first exhibition in Paris. During World War II, Kikoïne and his family were confined in concentration camps. After the Allied liberation of France, he returned to Paris mainly doing nudes, portraits and self-portraits. He lived in Cannes until his death in 1968.

Walter Richard Sickert, painter and printmaker born in 1860 who was a member of the Camden Town Group in London. He was an important influence on distinctively British styles of avant-garde art in the 20th century.
Sickert was a cosmopolitan and eccentric who often favoured ordinary people and urban scenes as his subjects. His oeuvre also included portraits of well-known personalities and images derived from press photographs. He is considered a prominent figure in the transition from Impressionism to Modernism.
Though he was the son and grandson of painters, he first sought a career as an actor; he appeared in small parts in Sir Henry Irving's company, before taking up the study of art in 1881.
In 1883, he travelled to Paris and met Edgar Degas, whose use of pictorial space and emphasis on drawing would have a powerful effect on Sickert's work. He developed a personal version of Impressionism, favouring sombre colouration. Following Degas' advice, Sickert painted in the studio, working from drawings and memory as an escape from "the tyranny of nature".
He is identified particularly with domestic interior scenes, scenes of Venice, music hall and theatre scenes, and portraits. He died in 1942.

jueves, 29 de mayo de 2014

Fotógrafos japoneses (V) - Iwata Nakayama

Iwata Nakayama
中山 岩太

Iwata Nakayama, 1926

Iwata Nakayama (中山 岩太) fue un destacado fotógrafo japonés nacido en 1895 en Yanagawa, Fukuoka.
Su padre fue un inventor que registró la patente de un extiguidor de incendios. Iwata se mudó a Tokyo y fue educado en la escuela privada Kyohoku-Chūgakkō. Después de graduarse entró a la Universidad de Artes de Tokyo como el primer estudiante en su curso de fotografía. Tras aprender técnicas artísticas y comerciales, se mudó a los Estados Unidos en 1918 para estudiar en la Universidad Estatal de California, enviado por el gobierno japonés. Sin embargo dejó los estudios y comenzó a trabajar en el estudio de Tōyō Kikuchi (菊池東陽) en New York. Gracias a sus habilidades prácticas estableció su propio estudio, el Estudio Laquan en New York.

"Mujer de pelo largo / Woman with Long Hair", 1933

Fotografía publicada en Koga / Photo published in Koga, 1933

"Retrato, la bailarina Komori Toshi / Portrait , The dancer, Komori Toshi", 1927

Nakayama tuvo éxito y viajó por Europa con su esposa Masako (正子) y su hijo Iwao (巖). Es estableción en París y conoció a Man Ray y László Moholy-Nagy y su obra, aunque según escribió no siguió su estilo. Regresó con su familia a Japón en 1927.
Comenzó a trabajar como fotógrafo profesional en Kobe y condujo la vanguardia japonesa de foto arte. Se asoció al Ashiya Camera Kurabu (芦屋カメラクラブ) y educó a algunos principiantes. Publicó algunos de sus trabajos en revistas como Asahi Camera y Nihon Shashin Nenkan (日本写真年鑑). Además hizo uno de los primeros montajes fotográficos comerciales en 1930.

Fotografía publicada en Koga / Photo published in Koga, 1933

Fotografía publicada en Koga / Photo published in Koga, 1933

Portada de Koga / Cover of Koga Vol.2, Nº1, 1933

"Desnudo / Nude", 1932

En 1932 él, Yasuzō Nojima y Nobuo Ina comenzaron a publicar la revista mensual Kōga (光画). Esta revista representó un punto de inflexión en la fotografía artística japonesa. Nakayama fue pionero de la fotografía de vanguardia en Japón y con su obra inspiró a muchos fotógrafos japoneses.
Durante la Segunda Guerra Mundial no pudo trabajar a tiempo completo. Sus obras e volvieron más y más abstractas. Finalizada la guerra, retomó su trabajo profesional creando nuevas piezas artísticas, pero en 1949 murió súbitamente. Sucedió tan sólo unos pocos días después de haber sido seleccionado como administrador de la Asociación de Fotografía del Japón.

"Mariposa / Butterfly", 1941

"Autorretrato / Self-Portrait", 1931

Iwata Nakayama (中山 岩太), was a renowned Japanese photographer born in 1895 in Yanagawa, in Fukuoka.
His father was an inventor who held a patent of a fire extinguisher. Iwata moved to Tokyo and was educated in a private school Kyohoku-Chūgakkō. After graduating from that school, he entered Tokyo University of the Arts as a first student of its photography course. After learning artistic and commercial techniques there, he moved to the U.S. in 1918 as an overseas student of California State University, sent by Japan government. However he quit studying and began to work at a photo studio run by Tōyō Kikuchi (菊池東陽) in New York. With his practical skills, he established his own studio, Laquan Studio, in New York.

"Sin título / Untitled", 1933

"Mujer de Shanghai / Woman from Shanghai", 1936

"Composición (Desnudo y copa), fotomontaje / Composition (Nude and Glass), photomontage", 1935

Nakayama succeeded as an artisan, and traveled around Europe with his wife Masako (正子) and his son Iwao (巖). He stayed in Paris and he came to know Man Ray and László Moholy-Nagy and their works (but he wrote that he didn't follow their style). And he and his family went back to Japan in 1927.
He began to work as a professional photographer in Kobe and drove Japanese Avant-garde Photo Arts. He associated Ashiya Camera Kurabu (芦屋カメラクラブ) and educated some his juniors. And released some works in the magazines Asahi Camera, Nihon Shashin Nenkan (日本写真年鑑) and so on. Furthermore, he made one of the first commercial montage photography in 1930.

"Nioûta-In’nyoka", 1924

Fotografía publicada en Koga / Photo published in Koga, 1933

Fotografía publicada en Koga / Photo published in Koga, 1933

Fotografía publicada en Koga / Photo published in Koga, 1933

In 1932, he, Yasuzō Nojima and Nobuo Ina published their monthly magazine Kōga (光画). This magazine was a critical turning point of Japanese artistic photography. Nakayama was a pioneer of Japanese avant-garde photography and inspired many Japanese photographers through his those works.
During World War II, he couldn't work to the full. His works became more and more abstract. The War over, he resumed his professional work and creating new artistic pieces, but in 1949, he suddenly died (at 54). It was just a few days after he was selected as a trustee of the Japanese Photography Association.

"Autorretrato / Self-Portrait", 1933

Información biográfica tomada de / Biographic information from Wikipedia

Fotografías de diversos sitios de Internet. Portada de Koga de aquí./
Photos from several Internet sites. Koga cover from here.

miércoles, 28 de mayo de 2014

Gottfried Helnwein (II) [Fotografía]

Gottfried Helnwein
Fotografía / Photography

En Marzo de este año publiqué un post sobre la obra pictórica de este notable artista austríaco. Ahora pueden disfrutar de esta segunda parte dedicada a su trabajo como fotógrafo. Como podrán apreciar en muchas de estas imágenes, ambas vertientes están estrechamente ligadas temáticamente, pero además Gottfried es un gran retratista. Me remito al post anterior para más información e imágenes.

In March this year I published a post about the pictorial work of this remarkable Austrian artist. Now you can enjoy this second part dedicated to his work as a photographer. As you can see in many of these images, both aspects are closely linked thematically, but Gottfried is also a great portraitist. I refer to the previous post for more info and images.
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"Autorretrato / Self-Portrait", 1984

"Charles Bukowski", silver print, 99 x 66 cm., 1991. 
San Francisco Museum of Modern Art (Estados Unidos / USA)

«Mirando los retratos de Gottfried Helnwein, volvemos a experimentar del shock de lo nuevo, una visión sin precedentes de la persona opuesta. He observado a mucha gente enfrentada a estos retratos por primera vez, y una y otra vez podrían experimentar sorpresa, la intensidad de la experiencia y la fascinación. Los retratos de Helwein pueden verse como con la misma sustancia de los de Cindy Sherman; ella veía los suyos como un discurso visual con su tiempo a través del ejemplo de su propio ser, o los de Joel Peter Witkin, quien rastrea las heridas que una persona ha experimentado. En sus autorretratos, vendajes y lesiones, Gottfried Helnwein persigue temas similares y asimismo en sus Rostros él no busca la superficie sino que se encuentra con el individuo. En esta serie de obras conocemos gente que hemos visto incontables veces en fotografías, aunque podríamos conocer ahora por primera vez, o, al menos, nunca hemos visto tan al alcance de la mano. 
Así encontramos a Andy Warhol, el showman del autorretrato que realizó incontables "últimas imágenes" de sí mismo antes de su muerte, en una pose que de hecho no evoca un estado terminal; Arno Breker únicamente con un retrato de Joseph Beuys en sus manos. Carl Barks, el dibujante que hizo al Pato Donald, se presenta con una sonrisa malévola, no muy diferente a las de sus propias caricaturas. William S. Burroughs nos enfrenta a punta de pistola, mirando desde detrás del arma amenazadoramente vigilante, como si nosotros fueramos su víctima. Roland Topor mira al cielo enigmáticamente, con los ojos muy abiertos. Lech Wałęsa, hacia la derecha del borde de la imagen, llena el cuadro con su inflada gordura de autosatisfacción y el rostro exhausto de Charles Bukowski es más un paisaje de cráteres envueltos en el humo del cigarrillo.»
"Helnwein - Faces", Edición Stemmle, Reinhold Misselbeck, Curador de Fotografía y Nuevos Medios, Museo Ludwig, Cologne, Enero, 1992.
Texto completo (en inglés) aquí.

"Niño 1 y Niño 3 / Child 1 and Child 3", cada una / each 250 x 370 cm., 1988

«Lo que hace significativo al arte de Helnwein es su habilidad para hacernos reflexionar emocional e intelectualmente sobre los sumamente expresivos temas que escoge. Mucha gente siente que el museo debe ser un refugio en el cual experimaentar una belleza tranquila, divorciada de la grosería del mundo. Esta noción subestima los propósitos del arte, la función de los museos y la curiosidad intelectual del público. "El niño: Obras de Gottfried Helnwein" inspirará e iluminará a muchos, y seguramente también perturbará a algunos. No es sólo un derecho sino una responsabilidad del museo presentar arte que trate de temas importantes y a veces controvertidos de nuestra sociedad.»
Harry S.Parker III, Director de Museos, Museos de Bellas Artes de San Francisco, sobre la muestra "El niño: Obras de Gottfried Helnwein", Agosto, 2004.
Texto completo (en inglés) aquí.

"James Brown", 1993

"La última cena (La evidencia de la existencia de Dios) / 
Last Supper (The Evidence for the Existence of God)",1987

«Cuando miro una obra de arte me pregunto: ¿Me inspira, me toca o conmueve, aprendo algo de ella, me sobrecoge o me asombra; quedo excitado, perturbado? Y esta es la prueba que cualquier obra de arte debe pasar: ¿puedo crear un impacto emocional en un ser humano, incluso aunque no tenga educación o información teórica sobre arte? Siempre he tenido problemas con el arte que sólo puede ser comprendido por alguien con un título en historia del arte, y tengo problemas con las teorías. La mayoría de ellas son pura mierda. La mayoría de los críticos y teóricos tienen muy poco respeto por el arte y los artistas, y creo que la importancia de la teoría en el arte está absolutamente sobrevalorado. El arte real es evidente por sí mismo. El arte real es intenso, encantador, excitante e inquietante; tiene una calidad y una magia que no se puede explicar. El arte no tiene lógica, y si quieres experimentarlo, tu mente y pensamiento racional te serán de poca ayuda. El arte es algo espiritual que sólo puedes experimentar con tus sentidos, tu corazón y tu alma.» G.H.
De "Entrevista con Gottfried Helnwein", Brendan Maher, Revista Start, Artes y Cultura del Sudeste, Irlanda, 24 de noviembre, 2004

"Sueño moderno 9 / Modern Sleep 9", 2004

Inocencia e inocencia traicionada.
El niño, para Helnwein, es el símbolo de la inocencia, pero también de la inocencia traicionada.
El el mundo de hoy, las fuerzas malévolas de la guerra, pobreza, explotación sexual, y la entumecedora y depredadora influencia de los medios modernos, atacan la virtud de los niños. Helnwein (que se crió en Austria en los años que siguieron a la Segunda Guerra Mundial, en la sombría atmósfera de un país derrotado que había abrazado el Nazismo) tiene un vínculo emocional con los niños a los que se les robó la experiencia de una niñez sin traumas. Desde sus obras más tempranas, ha asociado a los niños con el dolor o la sugerencia del dolor. Los niños heridos se han convertido para él en una metáfora del caos de un mundo vacío emocionalmente.
Frecuentemente sus obras sugieren a los espectadores que están siendo testigos de una escena que tiene lugar en medio de un drama inquietante, que a veces se acentúa por la inclusión de oficiales y símbolos nazis. El drama, sin embargo, se presenta sin narrativa, lo cual crea el incómodo efecto de hacer surgir pero no responder interrogantes difíciles. La tensión así creada coloca al observador en la posición de tener que examinar sus propias respuestas ante imágenes ambiguas.
Texto completo (en inglés) aquí.

"Sueño moderno 5 y 6 / Modern Sleep 5 & 6", 2004

Innocence and the Betrayal of Innocence
The child, for Helnwein, is the symbol of innocence, but also innocence betrayed. 
In today’s world, the malevolent forces of war, poverty, sexual exploitation, and the numbing predatory influence of modern media assault the virtue of children. Helnwein--who grew up in Austria in the years following World War II in the somber atmosphere of a defeated country that had embraced Nazism--has an emotional tie to children who have been robbed of experiencing childhood without trauma. Since his earliest works, he has linked children with pain, or the suggestion of pain. The wounded child became for him a metaphor for the chaos of an emotionally vacant world. 
Frequently his works suggest to viewers that they are witnessing a scene taking place in the midst of a disturbing drama that is sometimes heightened by the inclusion of Nazi officers or Nazi symbols. The drama, however, is presented without narrative, which creates the uncomfortable effect of raising but not answering difficult questions. The tension thus created puts the viewer in the position of having to examine his or her own responses to provocative and ambiguous vignettes.
Full text here.

"El estreno / The Debut", 1987

"Marilyn Manson, La Edad de Oro del Grotesco 1 / The Golden Age of Grotesque 1"
130 x 200 cm., 2003

"La Edad de Oro / The Golden Age", 2003


«Looking at Gottfried Helnwein's portraits, we once again experience the shock of the new, of an unprecedented view of the person opposite. I have observed many people confronted with these portraits for the first time and again and again they would show surprise, intensity of experience and fascination. Helnwein's portraits can be seen as of the same substance as Cindy Sherman's, she seeing hers as a visual discourse with her times through the example of her own being, or Joel Peter Witkin's, who traces the injuries a person has experienced. In his self-portraits, bandagings and woundings Gottfried Helnwein pursues similar themes and in his Faces, too, he does not seek the surface but encounters with the individual. In this series of works we meet people we have seen untold times in photographs, yet we could be meeting them now for the first time or, at least, feel we have never seen them so close at hand.
Thus we find Andy Warhol, the self-portraying showman who had countless "last pictures" taken of him before he died, in a pose which does indeed recall a terminal stage; Arno Breker appears, with, of all things, a Joseph Beuys portrait in his hands. Carl Barks, the draughtsman who drew Donald Duck, is presented with a mischievous grin, not so different now from his own cartoon figures. William S. Burroughs faces us at gunpoint, peering from behind the pistol now menacingly watchful, now as if he were his own victim. Roland Topor peer enigmatically heavenward, eyes huge. Lech Wałęsa, cut at the edge of the picture to the right, has outgrown the format with his fat self-satisfying inflatedness, and Charles Bukowski's lifeworn face is more like a landscape of craters swathed in cigarette smoke.»
"Helnwein - Faces", Edition Stemmle, Reinhold Misselbeck, Curator for Photography and New Media, Museum Ludwig, Cologne, January, 1992.
Full text here.

"Niño 5 y Niño 6 / Child 5 and Child 6", cada una / each 250 x 370 cm., 1988

«What makes Helnwein’s art significant is its ability to make us reflect emotionally and intellectually on the very expressive subjects he chooses. Many people feel that museums should be a refuge in which to experience quiet beauty divorced from the coarseness of the world. This notion sells short the purposes of art, the function of museums, and the intellectual curiosity of the public. The Child: Works by Gottfried Helnwein will inspire and enlighten many; it is also sure to upset some. It is not only the right but the responsibility of the museum to present art that deals with important and sometimes controversial topics in our society.»
Harry S.Parker III, Director of Museums, Fine Arts Museums of San Francisco, on the show The Child: Works by Gottfried Helnwein, August, 2004
Full text here.

"Arno Breker sosteniendo una imagen de / holding a picture of Joseph Beuys", Düsseldorf, 10 May 1988

"Sol Niger II", 1987

"Marilyn Manson, La Edad de Oro del Grotesco II / The Golden Age of Grotesque II"
130 x 200 cm., 2003

"Andy Warhol", 1983

«When I look at a work of Art I ask myself: does it inspire me, does it touch and move me, do I learn something from it, does it startle or amaze me - do I get excited, upset? And this is the test any artwork has to pass: can it create an emotional impact on a human being even when he has no education or any theoretical information about art? I’ve always had a problem with art that can only be understood by somebody with a degree in art history, and I have a problem with theories. Most of them are bullshit anyway. Most critics and theorists have little respect for art and artists, and I think the importance of theory in art is totally overrated. Real art is self-evident. Real art is intense, enchanting, exciting and unsettling; it has a quality and magic that you cannot explain. Art is not logic, and if you want to experience it, your mind and rational thinking will be of little help. Art is something spiritual that you can only experience with your senses, your heart, your soul.» G.H.
From "Interview with Gottfried Helnwein", Brendan Maher, Start Magazine, Arts and Culture of the South East, Ireland, November 24, 2004

"Sin título / Untitled", polaroid, cada una / each 70 x 52 cm., 1987


Rammstein, "Portada del álbum / Album Cover Sehnsucht", 1997

Gottfried Helnwein en "El Hurgador" / in this blog: [Te Recomiendo (II)], [Gottfried Helnwein (Pintura)]

Se puede obtener más información y disfrutar de la obra de Gottfried en / 
You can get more information and enjoy Gottfried's work in:

William Burroughs en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (CXLII)]
Charles Bukowski en "El Hurgador" / in this blog: [Alan Derwin (II) (Pintura)], [Aniversarios Fotografía (CLXXXVIII)]
Leni Riefenstahl en "El Hurgador" / in this blog: [Willy Zielke (Fotografía)][Aniversarios Fotografía (XXX)]
Andy Warhol en "El Hurgador" / in this blog:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Gottfried!)
Agradezco también a Renate y Cyril.
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Gottfried!)
Thanks also to Renate and Cyril.

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